The Fountain

  
 Lo sé, lo sé, lo sé. Llevo casi una semana sin escribir nada. Y no es que he estado ocupada, he tenido tiempo, a pesar de que estuve trabajando 4 días corridos desde el viernes pasado. Pero no tenía acceso al Internet hasta hoy debido a una avería en la línea telefónica después de pagar la factura el jueves. ¡Qué horror! ¡Sin Internet por 5 días! No sé como sobreviví este fin de semana. Y lo peor de todo es que tampoco he visto ni una película de la lista. Esto me atrasa por mucho. Calculé el tiempo de nuevo y me di cuenta que me faltan 78 días... aunque tendría que descontarle 7 días en junio, ya que me voy de viaje para Disney... en total, serían 71 días para completar mi misión. Eso es casi 1 película por día... Pero aún no me voy a rendir. La próxima entrada será sobre "Birth of a Nation".

Hugh Jackman en "The Fountain"

   Pero para no dejarlos esperando, hoy les hablaré un poco sobre una película que no está en la lista (aunque debería estarlo) pero pronto se va a añadir a la lista de mis películas favoritas. Ayer la vi por segunda vez. Me refiero a "The Fountain" de Darren Aronofsky. Si la historia de esta película no te captiva lo suficiente, de seguro lo harán los visuales espectaculares y simplemente fuera de este mundo.

   "The Fountain" es una de esas películas que te puede causar dos reacciones completamente opuestas: o la odias o la  amas tanto que te absolverá de una manera que no dejarás de pensar en ella por días. Claramente, me causó la segunda y las dos veces que la he visto me han provocado un dilema existencial. A pesar de que entiendo su propósito y los temas que quería presentar Aronofsky, la historia y todo lo que te debe llevar a descubrir ese propósito, se me ha hecho complicado comprender.

Rachel Weisz en "The Fountain"

  Me explico, la película es el conjunto de tres historias paralelas (una del pasado, otra del presente y la tercera del futuro), conectadas por distintos símbolos. En las tres, aparecen los dos protagonistas, que diría que son como el Adán y la Eva, el hombre y la mujer. Y el segudo símbolo es el gran "árbol de la vida", que aparece en la Biblia y lo han utilizado varios artistas en distintas narrativas y otros géneros dentro del arte.    
   De las tres, la historia central es la de Tom Creo (Hugh Jackman), el neurólogo, en busca de una cura para el tumor cerebral de su esposa, Izzy Creo (Rachel Weisz), que cada vez le va empeorando la salud. Junto a su grupo de científicos, van investigando los efectos de una especie de árbol que proviene de Suramérica que ha tenido efectos de rejuvenecimiento. Utilizan un simio, igualmente con un tumor cerebral, para experimentar los efectos del árbol. A pesar de que Izzy ya ha aceptado su destino y le pide a su esposo que la acompañe en sus últimos días de vida, Tom no quiere permitir que se muera y se obsesiona más en buscar una cura. Mientras todo esto ocurre, Izzy va escribiendo una novela, que la titula The Fountain y le pide a Tom que termine de escribir el último capítulo. Mientras estaban en las tiendas, a Izzy le da un derrame y la llevan a emergencias. Durante ese tiempo, se descubre que el árbol causó que el simio se convirtiera más joven y se le curara el tumor. Pero para ese entonces, era demasiado tarde. Izzy muere el próximo día... Negado a aceptar la realidad, Tom pasa por un período, pues, vamos a llamarlo "oscuro", hasta que decide terminar la novela de Izzy, como ella le había pedido. Al final, siembra un árbol en la tumba de Izzy.

   La novela de Izzy sería la segunda historia de esta película, protagonizada por Tomás, o Conquistador (también Hugh Jackman) y su futura esposa, la reina Isabella (también Rachel Weisz). Esta se desarrolla aproximadamente 5 siglos antes de la historia contemporánea de Izzy y Tom, durante la época de la Inquisición en España. Por miedo a perder su trono a manos de un clero de la Inquisición, la reina le pide al Conquistador, a que viaje a Nueva España y encuentre el "Arbol de la Vida", ya que, según las leyendas, te daba vida eterna. Si lo encontraba, era para beber de su savia, y traerle un poco a su reina, para ambos ser inmortales. El árbol se encontraba en territorio maya, lo cual obstaculizaba al protagonista. Debía de vencer a los mayas que vigilaban la pirámide donde se encontraba el árbol. Cuando se enfrenta al maya principal, el maya está a punto de matarlo cuando se le aparece la visión del que le llama como "Primer Padre". El maya comprende que Tomás es ese Primer Padre, que se sacrificó para dar vida a los primeros seres humanos, según sus leyendas. El maya entónces se sacrifica y permite que Tom lo mate. Cuando Tomás lo mata y entra a la pirámide, encuentra el árbol y coge parte de la savia para curar su herida. Esta se cura y Tomás decide beber de la savia. Pero le empiezan a brotar plantas por la boca, sus ojos, por la herida, todo su cuerpo, hasta que muere y es cubierto completamente de plantas. Se convierte en parte de la tierra, para dar vida de otra manera.

   En la tercera historia, vemos a Tom de nuevo, 5 siglos después de la historia contemporánea. Un Tom más sabio (y calvo :P), que le gusta meditar y practicar tai chi, se encuentra en una especie de nave espacial, que parece más una burbuja gigante. Dentro de la burbuja, a parte de Tom, se encontraba un gran árbol, donde se puede inferir que es el mismo" árbol de la vida" de la primera y segunda historia. Pero aquí, el árbol simboliza a Izzy, y se está muriendo. Tom quiere llegar a la nébula Xibalba, pero aún no estoy segura de la verdadera razón de esto. Puede ser que quiere lograr alcanzar el alma de Izzy y reencontrarse con ella en Xibalba, o quizás es para salvar la vida del árbol. Pienso que es una mezcla de las dos. Al comienzo, Tom quería llegar a Xibalba por el árbol, ya que bebiendo de su savia era lo que lo hacía inmortal y haber vivido tantos siglos. Pero al final, Tom se da cuenta que el árbol no tiene salvación y que lo que verdaderamente quería hacer era morir, morir de una vez, y encontrarse con Izzy en Xibalba. Era como si el árbol, el mismo que enterró Tom en la tumba de Izzy en la primera historia, llevaba por dentro el alma de Izzy, que por fin pudo ser liberada cuando el árbol muere al final. Y por tal razón, Tom también podía liberarse. Es en esta última historia cuando Tom por fin logra superar la muerte de Izzy y aceptar su propia muerte también.
   El propósito de Aronofsky gira alrededor del tema de la muerte. Lo más seguro en esta vida, lo que nos hace seres humanos, pero irónicamente, también es uno de los más grandes misterios para nosotros. La muerte se nos presenta en el momento más inoportuno y sin avisar, llega con su ropaje negro para buscarnos y llevarnos Dios sabe dónde. Nadie ha podido volver de la muerte y poder contarnos lo que vio. Po eso es un tema tan delicado y muchas veces, temeroso de hablar. La mayoría de nosotros deseamos no tener que despedirnos de la vida, deseamos siempre más tiempo, más años de vida y deseamos que nuestros seres queridos tampoco pasen por eso. Nos volvemos celosos de la muerte, quien se queda eventualmente con todo. Anhelamos la vida eterna. Con cada avance tecnológico y de salud, es para acercarnos más a la inmortalidad. Tommy era el personaje que se rehúsa aceptar la muerte. Lucha en contra de ella hasta el final, todo por recuperar el amor de su vida. Para él, la muerte era otra enfermedad, que solo hacía falta buscarle una cura. Como si la muerte era tan fácil de vencer...

   Darren Aronofsky, hijo de padres judíos, que se graduó de Harvard University y American Film Institute estudiando cine, dirección de cine y antropología social, utilizó varias técnicas que, sorprendentemente ayudaron a mantener un presupuesto bajo, pero que sin ellas, la idea que nos quería transmitir el director y escritor no hubiese tenido una estructura bien definida.
   En el área del diseño, la mayoría de los "sets" fueron construidos en un almacén en Montreal, por James Chinlund. Objetos como el árbol de la vida y la nave espacial, fueron inspirados por objetos de la vida real o por leyendas. Para ahorrar el dinero, se trató de limitar el uso de CGI y se utilizó otra técnica, menos conocida, pero más barata, para los efectos especiales: la macrofotografía. Por si no lo saben, este tipo de fotografía se destaca en retratar objetos de manera extremadamente cercas, usualmente objetos que a simple vista no se puede observar en detalle. La macrofotografía sirve para ampliar imágenes, como de insecctos o microorganismos y poder verlos en una foto como si fuesen más del doble de su tamaño original. Para los visuales de las escenas en el espacio, por ejemlo, utilizaron imágenes de microorganismos en movimiento capturados en una cámara. Igualmente, se utilizaron imágenes de fluidodinámica.

   Un detalle sumamente importante, era el uso de la luz. El cinematógrafo, Mathew Libatique, bajo la dirección de Aronofsky, utilizó la luz no solo como parte "física" de la película, sino como uno de los símbolos dentro de la historia. El cambio en la intensidad de la iluminación en las distintas escenas, significaba la cercanía o lejanía del hombre hacia la verdad. En este caso, la verdad era la mortalidad como el secreto de la vida, la mortalidad es lo que nos hace ser lo que somos. En el comienzo de la película, la iluminación a Tom es la más mínima, apenas se percibe una silueta de él, porque estaba muy lejos de la verdad. Poco a poco, a medida que va pasando la película, las escenas donde aparece Tom se hacen cada vez más visibles, hasta la escena final, donde está completamente bañado de un espectro de luces brillantes. Sin embargo, a Izzy la presentan en varias escenas como si una luz brillante emanara de su cuerpo. Es evidente lo que nos quieren demostrar. Desde el principio, Izzy había aceptado la muerte como parte de su vida, ya estaba lista para morir, mientras que Tom le tomó muchos años para poder comprender y llegar a la verdad.

  Es interesante como Aronofsky pensó hasta en el más mínimo detalle de esta película. Esto es lo que distingue para mí, grandes directores de directores mediocres. Darren Aronofsky es un verdadero artista. The Fountain no solo te hace reflexionar, sino que te conmueve el corazón, te revuelca los sentimientos, te eleva el espíritu y te hace llorar. Posee una belleza única e incomprensible. Y no me refiero solo a la belleza de la historia, sino a la parte física de la película. Es una obra de arte, pintada por Aronofsky.
   Le recomiendo a ustedes la gran mayoría de las películas de Aronofsky, pero las que más deberían ver es esta y Black Swan. Les recomendaría Pi y Requiem for a Dream también, pero no las he visto todavía. Cuando las vea, les contaré. ;)

Una flor quebrantada

"Broken Blossoms" (1919)

   Debo confesar algo... Nunca pensé que una película silente me iba a gustar. Pensaba que el hecho de que era silente me iba a resultar aburrida o frustrante. Es la costumbre, uno se acostumbra a la época contemporánea, con los efectos especiales, la explosión de sonidos, etc. Ahora, después de haber visto "Broken Blossoms" (1919) de D. W. Griffith, pudo confesar otra cosa: nunca he estado tan equivocada acerca de las películas silente.
   Quizás es por la obsesión que tengo de las historias de amor, quizás es porque contiene elementos orientales que me fascinan, o talvés fue por el arte de Griffith de causar sensación en todas sus películas. Cualquier razón que fuese, Broken Blossoms me enterneció el corazón.

Lillian Gish y Richard Barthelmess en escena de "Broken Blossoms"

   La historia, inspirada por el cuento del escritor británico Thomas Burke, titulado "The Chink and the Child"  (1916), trata de un inmigrante chino, llamado Cheng Huan (Richard Barthelmess), que se muda a Limehouse, para llevar el mensaje de paz a "la civilización anglosajona", como él se refería al país de Inglaterra. Luego de un par de años, con el espíritu roto, sus sueños han sido destruidos por la crueldad del mundo y la realidad en la que vive. Retorna sus esperanzas cuando conoce y se enamora de la pobre Lucy Burrows (Lillian Gish), una joven que nunca sonríe ya que no se siente amada ni por su propio padre. Este, con el nombre de Battling Burrows (Donald Crisp), es un boxeador alcohólico que abusa de su hija. Una noche, luego de recibir fuertes azotes de su padre, Lucy se va de su casa, camina por las calles moribunda y llega hasta la tienda de Cheng Huan, donde se desploma. Cheng Huan la reconoce y se la lleva a su cuarto, para atenderla. A pesar de ser breve su tiempo juntos, la joven recibe por primera vez una ternura y afecto que nunca había recibido antes. Es la primera vez que ella se siente felíz y reconoce su hermosura, gracias a los regalos que le da Cheng Huan, como el kimono y los arreglos para su cabello. También, es la primera vez que Lucy sonríe naturalmente, ya que antes, se forzaba a sonreírle a su cruel padre para que éste no le pegara tanto. Lucy pasa toda la noche en el cuarto de Cheng Huan, quien no la abandona, hasta que se siente obligado a atender la tienda y salir a comprar algo. Uno de los clientes que llega es el entrenador de Battling (Arthur Howard). Cuando Cheng Huan sale de la tienda, el entrenador escucha un sonido extraño en el segundo piso de la tienda si decide investigar. Al subir por las escaleras, descubre a Lucy acostada en la cama de Huan y se va corriendo para decírcelo a su padre. Battling, furioso, llega a la tienda y se lleva a su hija a las fuerzas. Llegan a la casa, donde Lucy se encierra en el "closet", tratando de huir de su padre. Pero Battling logra romper la puerta y le golpea hasta la muerte. Cheng Huan entónces regresa a la tienda y se entera de que Lucy se la han llevado. Sale corriendo a buscarla en su casa, con una pistola en la mano, pero cuando llega, es demasiado tarde. Encuentra a Lucy, muerta en su cama. Impulsado por dolor y rabia, cuando encuentra a Battling, le dispara varias veces hasta matarlo. Huan después se lleva a Lucy en sus brazos hasa su casa, donde le reza a Buddha y se suicida, muriendo al lado de su amada...

Lillian Gish

Lillian Gish en "Broken Blossoms"

   Fue poco lo que me faltaba para que esta película me hiciera llorar. La actuación de Lillian Gish estuvo perfecta (¿no creen que era una de las actrizes más hermosas de su época? Miren esa belleza...). Con las expresiones de su cara y cómo, con su mano, movía las esquinas de sus labios, como para sonreír de manera forzada, ayudó a percibir la vida trágica y dolorosa de su personaje. Me resultó un poco simpático el hecho de que un actor americano, como Richard Barthelmess hiciese el papel de un inmigrante chino, pero creo que pasó la prueba (mantuvo sus ojos semicerrados para parecerse más a un chino). La música (en unas partes con tono alegre, en otras con tono siniestro) y el ambiente (ciudad y puertos de Limehouse) fueron dos elementos clave para crear la sensación que quería causar Griffith en sus espectadores.

Richard Barthelmess

 En fin, por favor, véan Broken Blossoms. Se las recomiendo con los ojos cerrados. Si la relación entre la frágil Lucy y el humilde Cheng Huan no les enternece el corazón, o yo soy una persona muy sentimental, o ustedes son seres insensibles. O.o

Escena de "Broken Blossoms"

La intolerancia a través de los tiempos

   Los cambios en la historia han sido a consecuencia de nuestro comportamiento humano. Han pasado siglos desde el surgimiento del primer homo sapiens, y hemos avanzado en avances tecnológicos y científicos. Pero la esencia del ser humano, nuestra manera similar de pensar y actuar ante situaciones nuevas, es algo que no ha cambiado. Seguimos siendo seres inmaduros, que no aceptamos ideas nuevas ni que estén fuera de nuestro alcance intelectual. A pesar de todos los pasos hacia la iluminación, preferemos permanecer en la oscuridad, conformados con la ignorancia. La intolerancia nos domina como un veneno que pasa rápidamente por todo nuestro cuerpo.

Escena de la película "Intolerance"

   Quizás esto era lo que nos quiso decir D. W. Griffith cuando dirigió su película "Intolerance: Love's Struggle Throughout the Ages" (1916). Luego de haber filmado "Birth of a Nation" (1915), una película que resultó controversial y le trajo mala fama por grupos anti-racistas, debido a la visión racista del filme, su respuesta fue Intolerance: un conjunto de 4 historias entrelazadas, en distintas épocas de la historia, donde se ve reflejado la intolerancia humana y sus consecuencias negativas. Les advierto desde ahora, prepárense mentalmente antes de ver esta película de 3 1/2 horas consecutivas (tardé dos días en verla...).

David Wark Griffith

   Antes de continuar, les voy a hablar un poco de David Wark Griffith, mejor conocido como D. W. Griffith. Este hombre dirigió más de 535 filmes (la mayoría eran cortos, pero cuentan también). Su primer interés fue en escribir obras de teatro, área donde no tuvo mucho éxito. No obstante, apareció actuando en varias obras como un extra. En el 1907, Griffith se mudó a Nueva York y trató de venderle uno de sus escritos al productor de Edison Studios, Edwin Porter. Porter rechazó su obra, pero lo contrató como actor para la película "Rescued from an Eagle's Nest". Esta experiencia le abrió el apetito a Griffith de conocer más sobre el mundo de la cinematografía. Aceptó la posición como actor para la American Mutoscope and Biograph Company, mejor conocida como Biograph. Luego de convertirse en el director de la compañía y de dirigir sus primeras películas, como "The Adventures of Dollie" (1908), Griffith abandonó Biograph, debido a que se sentía limitado en su creatividad. Griffith fue uno de los primeros directores que rompió con los esquemas dentro de la cinematografía, entre ellas crear películas largas y utilizar téctincas de cámara, música y luz para crear un lenguaje expresivo. Junto a su compañia de acciones de actores, se unió al Mutual Film Corporation, para luego crear un estudio con el gerente de Majestic Studio, Harry Aitken. El estudio se llamó primero Reliance-Majestic Studio y luego Fine Arts Studio. Es en este estudio donde Griffith dirige sus dos películas más vendidas y famosas (y las más largas), Birth of a Nation y Intolerance. La segunda no llegó a alcanzar grandes éxitos financieros como la primera (no se logró recuperar el presupuesto para hacer la película),pero sí obtuvo mayores críticas positivas.

"Intolerance: Love's Struggle Throughout the Ages" (1916)

   La carrera de Griffith en los próximos años fue iéndose poco a poco cuesta abajo. Griffith, junto a otras celebridades de la época (Charlie Chaplin, Mary Pickford y Douglas Fairbanks), fundaron el estudio independiente de United Artist, el 5 de febrero de 1919. Entre sus filmes más memorables, se destacan "Broken Blossoms" (1919), "Way Down East" (1920) y "Orphans of the Storm" (1921). Sin embargo, no fueron éxitos comparados con los que había tenido en la época de Intolerance. Poco a poco, su luz se fue apagando, logró crear dos películas con sonido, como "Abraham Lincoln" (1930); pero tampoco tuvieron mucho éxito. Con el espíritu roto, Griffth decidió no volver a dirigir ni una película más. Obtuvo varios reconocimientos años después, he incluso ayudó a otros directores en el rodaje de sus películas, pero nada más. Fue encontrado muerto, solo, en el "lobby" del Knickerbocker Hotel en Los Angeles, un 23 de julio de 1948, un año después de su segundo divorcio, con Evelyn Baldwin. La causa de su muerte fue una hemorragia cerebral.

Fundadores de United Artist (en orden de izquierda a derecha): Mary Pickford, D. W. Griffith, Charlie Chaplin y Douglas Fairbanks.

   Es un poco triste pensar que uno de los mayores contribuidores del mundo del cine y que influyó mucho en los trabajos de Alfred Hitchcock, Orson Welles, Victor Fleming y John Ford; tuviese un final tan trágico. Solo la sensibilidad de un hombre como Griffith pudo haber reconocido los errores de su propia raza a través de los tiempos en una película como "Intolerance". Como mencioné anteriormente, se trata de 4 historias. La primera ocurre en el año 539 a.C. en la atigua Babilonia, donde hay un conflicto entre los devotos a dos dioses enemigos: Bel-Marduk y Ishtar. El príncipe de Babilonia, Belshazzar, ordena a que todo el pueblo sea creyente de la diosa Ishtar. Esto enoja al sacerdote de Bel-Marduk y sus seguidores y lo convence de aliarse con el enemigo, que son los persas. Junto a Ciro, rey de persa, los traidores de Babilonia planifican un ataque sorpresa, causando la histórica derrota y conquista de Mesopotamia por los persas. En la segunda historia, se presenta la vida, crucifixión y muerte de Jesús, en Judea, el 27 d.C. La tercera ocurre en la época del Renacimiento, en Francia (1572). Recorre el evento conocido como la "Masacre de San Bartolomé", cuando el rey Carlos IX, influenciado por su madre Catalina de' Medici, ordena la muerte de todos los hugonotes (o calvinistas franceses), para luchar a favor del catolicismo. Y finalmente, la cuarta historia trata de una pareja que vive durante los comienzos del siglo XX, y cómo las vidas del esposo (the Boy) y su mujer (the Dear One) son afectadas por la criminalidad, la pobreza, las revueltas de obreros de fábrica, las reformas de ideales puritanos, la intolerancia hacia la juventud, la envidia, entre otras cosas. Esta última historia es, sin duda, la más importante y Griffith logró crear una similitud entre esta y las otras 3 historias, como para decirnos que a pesar del paso de los años, la raza humana no ha cambiado mucho. Griffith quería que nos identificáramos con los personajes, es por eso que muchos no poseen nombres propios. De esta manera, cada personaje representaba un conjunto, una pluralidad, en vez de un individuo en específico.

Escena de "Intolerance"

Mae Marsh como the Dear One, en "Intolerance"

   Algo que se me olvidó mencionar, la película nos presenta también el tema del amor y cómo este logra contraatacar y vencer los males causados por la intolerancia. Cuando se acerca al final, el tono trágico se va convirtiendo en uno más esperanzador, dejándonos saber que la creación de un mundo mejor no es imposible si nos dejamos influenciar por el amor.
   En otras palabras, si las películas de drama y romance son tus favoritas, Intolerance debería estar en tu lista de Blockbuster. Las actuaciones de este filme son muy expresivas, un estilo más teatral, pero sin duda, muy impresionantes. El dolor expresado en el rostro de la denominada the Dear One (interpretada por Mae Marsh) cuando se llevaron a su esposo preso por un crimen que nunca cometió, hace partirle el alma a cualquiera. Se le dio mucha importancia a la luz y la transición de escenas (técnicas únicas de Griffith), ya que ayudaban a saber cuándo se cambiaba de una historia a otra. Un ejemplo era el color específico del fondo de la escena para cada historia. La película también está cargada de mucha narración y diálogo, que ayudaba a entender mejor la trama y no perderse en las trancisiones de las historias. Mi única crítica negativa sería el tiempo extenso de duración (aunque esto no afecta tanto, Gone With the Wind dura 4 horas y me encanta) y la dependencia de los textos para entender las historias. Te digo, si no fuese por la narración excesiva, las escenas visuales no harían mucho sentido. No obstante, le doy 5 estrellas por originalidad y creatividad.

D. W. Griffith

   No me despego de D. W. Griffith, ya estoy preparada para ver "Birth of a Nation" y "Broken Blossoms". Así que estén pendientes.

Buster Keaton

Buster Keaton

  

  Muchos conocen al famoso Charlie Chaplin, pero se olvidan del otro enano que vestía con su sombrero "pork pie" y sus "slapshoes" y que siempre llevaba una expresión seria en su rostro, lo cual hacía sus actuaciones mucho más graciosas. Me refiero a Buster Keaton, otro de los actores de comedia más exitosos durante la era silente del cine. Ayer tuve la oportunidad de ver una de sus películas más memorables, titulada The General (1926). Y para que una película, con menos de 20 minutos de diálogo en total, me hiciera soltar una carcajada, se requiere de mucho esfuerzo. Solo unos pocos, como Buster Keaton, lo han logrado.
   Su verdadero nombre era Joseph Frank Keaton. Se dice que el nombre "Buster" se lo atribuyó el propio Houdini, quien era amigo de su padre, cuando Keaton se cayó de las escaleras a los 3 años y no se hizo daño. "Buster" puede significar "acróbata", aunque en lenguaje de calle estadounidense, esa palabra tiene significados diversos. Sea cual fuese su significado, Buster permaneció como su seudónimo hasta después de su muerte. Su familia, junto con Houdini y otros artistas, crearon un espectáculo llamado "The Three Keatons", donde se realizaban acciones y escenas peligrosas. Arrojar a Keaton al público era parte del espectáculo. Este fue presentado por muchos años hasta que el padre de Keaton tuvo que retirarse debido a problemas de alcoholismo, algo que herederá su hijo en años próximos.

Buster Keaton en "The General"

   A los 21 años y sin empleo, Buster viaja a Nueva York, donde pronto se daría cuenta del talento que llevaba como cineasta. En Nueva York, conoció a un actor famoso de esa época, llamado Roscoe 'Fatty' Arbuckle, quien lo invitió a que apareciera en la película The Butcher Boy (1917). Junto a Fatty, quien se convirtió en uno de sus mejores amigos, Keaton actuó y dirigió varios cortos y películas de largometraje. Se pueden destacar "One Week" (1920), "The Boat" (1921) y "Cops" (1922) como algunos de sus cortos y "The General",  "Sherlock Jr." (1924) y "The Navigator" (1924) como ejemplo de sus largometrajes. Fue durante esa época en que Keaton heredó la compañía que inició Fatty para convertirse en su compañía propia. luego de que un escándalo público dañara la carrera de su amigo. Fue también el tiempo en que se casó con su primera esposa, Natalie Talmadge, proveniente de una familia de cineastas muy adinerada. Se dicen que su matrimonio fue por conveniencia, para ayudar a Keaton a tener mayor renombre y fama. No necesitó mucho el pertenecer a la dinastía Talmadge para lograr el éxito que tuvo en los próximos años. Sus películas, dentro del género de la comedia y muchas con una mezcla con el drama, fueron reconocidas por el estilo peculiar de Buster, con sus secuencias de acciones, la habilidad de Keaton de permanecer con un rostro sin expresión aún cuando le ocurrían las cosas más absurdas, la aparición de aparatos extraños que él mismo se los inventaba, etc. Buster Keaton hacía sus propios dobles en las escenas de acción y sirvió de doble para otros actores.

 

Roscoe 'Fatty' Arbuckel (izquierda). Natalie Talmadge junto a Buster Keaton (derecha).

   A comienzos de la década de los 30, el contrato de Keaton fue vendido a la compañía MGM por el productor Joseph. M. Schenck. A pesar de grandes éxitos con MGM con películas como "The Cameraman" (1928) y "Spite Marriage" (1929), Keaton confesó haberse arrepentido en unirse a MGM, describiendo el incidente como el peor error que hizo en su carrera. MGM no permitió que Keaton tuviese su propia unidad de producción, lo cual limitó su control creativo sobre sus filmes. Además, fue el tiempo en que terminó su matrimonio con Talmadge. Natalie no solo lo demandó por el divorcio, también le arrebató a sus dos hijos y le cambió sus apellidos de Keaton a Talmadge. Todo esto causó un cambio en la personalidad de Keaton. Cayó en una depresión que lo llevó al alcoholismo y a que lo despidieran de MGM por su comportamiento violento y errático. Sus próximos años se resumen en una serie de eventos donde Keaton se encontraba sin dinero, sin empleo y metido en distintos hospitales para luchar contra su adicción de la bebida. Conoció a su segunda esposa en uno de los hospitales, una enfermera llamada Mae Scrivens (sabrá Dios lo que ellos hacían cuando ella lo iba a visitar en su habitación para "chequear que todo esté bien con el paciente". Los he descubierto...). Se casó con ella para luego divorciarse nuevamente en el 1935.
   Haber transcurrido esa etapa oscura de su vida, comenzó a aparecer en distintos cortos nuevamente, a pesar de que eran roles minoritarios; pero conociendo su situación, yo también hubiese aceptado cualquier empleo en ese momento. En los siguientes años, continuó apareciendo en distintos cortos y largometrajes, dirigió unas cuantas películas más y se casó por tercera vez con la mujer que sería su esposa hasta su muerte, Eleanor Norris. Dicen queBuster murió en silencio, durmiendo, luego de haber jugado cartas con su esposa. Su última película "A Funny Thing Happened on the Way to the Forum" (1966) salió 6 meses después de su muerte. En toda su vida como cineasta, Buster Keaton llegó a realizar casi 150 películas.

   Y con esa breve biografía de nuestro amigo Buster, puedo comentarles ahora sobre la película. La historia en "The General" gira alrededor de la época de la Guerra Civil estadounidense. El protagonista, Johnnie Grey (Buster Keaton), ingeniero del Western & Atlantic Railroad tiene dos amores en su vida: su locomotora "The General" y la hermosa Annabelle Lee (Marion Mack). Al comienzo de la guerra, el padre y el hermano de Lee deciden ir a enlistarse a la guerra. Al saber que esto le traería alegría a Lee, Grey también decide enlistarse. Pero le niegan la entrada al servicio, ya que lo necesitan más como ingeniero que como soldado. Cuando Annabelle Lee se entera, lo regaña y le dice que no le hablará hasta que no lo vea con un uniforme. Luego de un año, unos espías del Norte planifican en  robarse a la locomotora "The General", durante la parada para que los pasajeros comiesen algo. Cuando logran apoderarse de esta, emprenden su camino hacia el Norte. En ese momento, Annabelle Lee se encontraba dentro del tren porque iba de camino a visitar a su padre, que se hallaba herido debido a la guerra. Al darse cuenta, los espías la toman de rehén. Buster Keaton se da cuenta que se han robado a su locomotora y decide seguirlos. Cuando llega al campamento de los soldados del Norte, se entera del plan de la Unión de usar el tren para realizar un ataque sorpresa al ejército enemigo. Grey también se da cuenta que la Unión tiene a Lee como prisionera. Durante la noche, Grey rescata a Lee y realiza un plan para esconderse en "The General"y por la mañana llevarse su locomotora junto a Lee hacia el Sur para avisarles del plan del ejército del Norte. Los de la Unión se enteran, se montan en otra locomotora y comienza una secuencia de carrera entre dos locomotoras (las ocurrencias de Grey para retrasar la locomotora de los enemigos me mata de la risa). Es por este momento cuando ocurre la escena catalogada como la más cara en la historia del cine silente: la explosión del tren "The Texas"" junto con el derrumbe del puente donde se encontraba el tren. (Un dato curioso: los restos de ese tren se dejaron donde mismo cayeron y se usaron durante la II Guerra Mundial). Finalmente, Grey y Lee llegan hacia el Sur y le avisan al ejército de los planes. Johnnie Grey se convierte en el héroe, lo hacen nombrar teniente del ejército y, para sorpresa de todos, se queda con la chica.
   "The General" era para Buster Keaton, su mayor éxito en su vida. Es también la más personal, ya que Keaton decía que le hubiese gustado ser un ingeniero civil si no hubiese continuado su carrera como comediante y cineasta.
   Una buena película, debe tener muchos elementos: actores talentosos, guión bien escrito, fotografía impresionante, una historia poderosa e interesante, o que por lo menos entretenga mucho, un buen principio y final y sobre todo, mucha creatividad. Esta película cubre todos los criterios. Mi escena favorita es la de cuando Johnnie Grey se encuentra pensativo sentado en las ruedas de su locomotora, sin darse cuenta que el tren comenzó a moverse (aparece en la foto de abajo). Encuentro el personaje de Buster Keaton muy simpático y patético, que lo hace para mí sumamente interesante y adorable (no le gana a Charlie Chaplin, el único enano que se robó mi corazón, pero buen intento para Keaton). Personalmente, no la añadiría dentro de la lista de mis películas favoritas, pues prefiero una historia más elaborada que la historia típica del hombre que rescata a su princesa de los malvados, recibe todos los honores y se rescata con su amada. Pero si buscas una película que te haga reír por un rato de la manera en que menos te imaginabas; si te gustan las películas de acción con persecusión de trenes, en vez de carros; y donde ocurren situaciones fuera de lo común y muy peligrosas, le recomiendo que consiguas "The General" (si tienes Netflix, eres afortunado como yo).

Buster Keaton en "The General"

La gran lista

 A continuación les presento la lista de las películas que debo ver. Las que están tachadas son las que ya había visto anteriormente (no pensaban que iban a ser tan pocas las que podía tachar :( ).Comenzando desde hoy, tengo aproximadamente 100 días para completar mi misión. Deséenme suerte.
Birth of a Nation
Intolerance
Broken Blossoms
Greed
City Lights
The Great Dictator
Boston Keaton Short Films
Charlie Chaplin Short Films
The Kid
Modern Times
The General
El gavinete del doctor Caligari
Metrópolis
Nosferaru
Fausto
Sunrise
Casablanca
Wizard of Oz
The Maltese Falcon
The Treasure of Sierra Madre
Out of the Past
Bride of Frankenstein
Drácula
Citizen Kane
To be or Not to Be
El ladrón de bicicletas
La Strada
Noches de Cabiria
8 1/2
400 golpes
Jules et Jim
Breathless
Bienvenido Mr. Marshall
El espíritu de la colmena
Mujeres al borde de un ataque de nervios (entre otras películas de Almodóvar)
Aguirre
The American Friend
The Devils
La Hora de los Hornos (documental)
El Sur
El Viaje
El Aura
Star Wars
Rashomon
Hidden Fortress
Seven Samurai
Wild Bunch
MASH
2001 A Space Odyssey
A Clockwork Orange
Nashville
Deer Hunter
The Thing
Carrie
Jaws
Close Encounters of a Third Kind
Blade Runner
Alien
El lugar sin límites
Profundo Carmesí
El pez que fuma
La operación
Dios los Cría
Lo que le pasó a Santiago
La gran fiesta
History of Violence
Valhala Rising
War Games
The Conversation
Sexy Beast
Taxi Driver
Miller's Crossing
The Big Lebowsky
El oscuro objeto del deseo
La Aventura
North By Northwest
The Birds
Psycho
Vertigo
Silence of the Lambs
Blow-Up

Verano: mi "cinema paradiso"

¡Por fin, llegó el verano!

   Tiempo para irse de playa y de "jangueo" con los amigos. Para mí, a parte de eso, es el tiempo perfecto para dedicarme a una de las cosas que más adoro en este planeta y me alegra de que nací en la era de que existe: el cine. Considerado para muchos como el séptimo arte, el cine llegó luego de la creación de la cámara, un nuevo aparato que cambiaría la vida del ser humano en las siguientes décadas. El mundo antes de los Chevalier, antes de Thomas Edison, antes de muchos otros que perfeccionaron la cámara fotográfica y de video, era un mundo en el que la gente solo se podían imaginar otros mundos, tenían que vivir solo con los recuerdos de momentos inolvidables del pasado. Con la cámara, el hombre obtuvo la habilidad por primera vez de captar esos "momentos inolvidables" de manera visible y preservarlos. Con la cámara de video, no solo preservabas la imagen, sino el movimiento. Era como una ventana hacia el pasado, como si el pasado no dejara de existir. En el cine, personas como Edison, los hermanos Lumiere y George Melies se dieron cuenta de que no solo se preservaba el pasado, sino que con la cámara de video se podían crear historias, mundos nuevos; se convirtió también en una ventana hacia la imaginación del hombre.

   Desde pequeña me ha fascinado ese mundo dentro de la cinematografía, en la que nada parece imposible. Todo lo que me imaginaba cuando leia los libros lo podía apreciar de manera visible en una gran pantalla, junto a otras personas, con mi bolsa de popcorn y refresco. Se lo debo todo a mi madre, gran conocedora del cine y de muchos actores y cineastas famosos. Ella ha visto tantas películas y estoy segura de que yo quizás no vea tantas como ella. La diferencia entre mi madre y yo es que ella ve TODO tipo de películas, aunque sean malas. "Pero ¿cómo voy a saber si son porquerías o no, si no las veo primero?" me dice siempre. Y lo gracioso es que a mitad de película, aunque ella reconozca que la película no es tan buena, siente la obligacón de terminarla. Debo confesar que no tengo esa habilidad. Si a mitad de película, reconozco que es una basura, la tengo que dejar de ver. No obstante, trato de ser bastante flexible al escoger qué películas ver. Pero si voy al cine, tengo que estar bastante segura de que la película me va a gustar, o salgo frustrada pensando que gasté mi dinero para nada.

   Bueno, para llegar al grano y poder decir de una vez el propósito de este blog, debo contarles una última historia. Espero que no los haya aburrido tanto con el párrafo anterior:

   Soy una estudiante de primer año de universidad, voy para mi segundo año en agosto. Estoy estudiando Información y Periodismo en la Universidad de Puerto Rico Recinto de Río Piedras, pero estoy interesada en solicitar una segunda concentración en Audiovisual, área donde se enfocan en Fotografía, Radio y, sobretodo, Cine. Por eso decidí adelantar una clase de Audiovisual y cogí la clase de Guiones este semestre. Al final del curso, nuestro queridísimo profesor se tomó la molestia de darnos una lista de película para que las veamos en este verano (no les miento, son más de 50 películas en esa lista). Y aquí viene el punto de la historia. Ya que culminaron las clases, ya que tengo todo el tiempo del mundo una vez más (casi 3 meses sin clases) me he propuesto a ver TODAS y cada una de las películas dentro de la lista. Sí, puede ser que esté demente y muchos pensarán que no lo voy a poder hacer. Pues a todos esos que no creen que pueda lograr ver todas las películas para antes de que empieze mi segundo año universitario (tengo hasta el 12 de agosto), son los que más invito a que lean este blog.
   Cada día que vea una o más de las películas de la lista, les estaré informando por medio de este blog. Estaré comentando acerca de situaciones extrañas o "fuera de lo común" sobre ese día, mi opinión por la película, un resumen de lo que trataba y presentarles información de datos curiosos relacionados a la película asignada.
   Espero que este blog le sirva de gusto a varias personas. Pueden usarlo como referencia para cuando quieran disfrutar de una buena película. Se supone que estas películas enlistadas sean de las MEJORES películas que se han hecho. Eso veremos.
   Pueden dejar sus comentarios sobre sugerencias y películas que deería añadir a la lista. Las tomaré en consideración. :)