Un pequeño y desafortunado "break"

Como ya se habrán dado cuenta, he dejado de escribir en este blog desde comienzos de agosto. Esto significa que ya comenzaron mis clases en la universidad, lo cual les da a entender que ha pasado la fecha de la meta que me propuse hacer al comenzar con este blog. No logré ver todas las películas de la lista antes de la fecha asignada. A pesar de que me desalienta un poco, no significa que todo ha sido un completo fracaso y pérdida de tiempo. La experiencia que tuve durante el verano, explorando los distintos filmes clásicos, leyendo sobre Buster Keaton y D.W. Griffith, me llenó de mucha alegría y siento que me ha enriquecido mucho en mis estudios sobre el cine. Deseo entónces continuar con este blog y terminar de una vez "la gran lista", aaunque me tome mucho más tiempo. Durante el tiempo de clases se me hace un poco difícil estar al tanto de este blog más encargarme de los trabajos de la universidad. Por lo tanto, es probable que no escriba otra entrada hasta diciembre, durante mis vacaciones navideñas. Luego tomaré otro receso hasta mayo, cuando comienze nuevamente el verano y finalizar con las películas antes de mi tercer año de universidad. Deséenme éxito, nuevamente...
   Antes de irme, si de momento me surge una inspiración en tiempos de clase, quizás escriba sobre temas relacionados al cine o reseñas sobre otras películas fuera de la lista. Estén pendientes...

Fausto

Y comenzamos con una serie de películas de otro director muy conocido en la era del cine mudo, que no era estadounidense: F. W. Murnau. En las siguientes publicaciones, les estaré hablando de tres de sus mejores películas, al igual que un poco sobre su biografía y qué aportó Murnau, no solo en el cine mudo, sino para todas las eras del cine, incluyendo hoy día. La primera en la lista es "Fausto" (1926).

"Faust" (1926)

   Al igual que nuestro querido amigo, Krauss, Murnau se dejó influenciar por el movimiento expresionista en Alemania en la década de los 20 para el estilo de sus películas. También se dice que antes de cumplir los 12 años, ya había leído obras de Shakespeare, Nietzshe, Schopenhauer e Ibsen, autores de los cuales obtuvo ideas para la creación de sus futuros filmes. Nacido en Alemania, el 28 de diciembre de 1889, Friederich Wilhelm Plumpe tenía un amor apasionado por la literatura, el teatro y el cine. Sin embargo, estudió primero filología en la Universidad de Berlín y luego, historia del arte y literatura en Heidelberg. Fue en esta última donde conoció al director, Max Reinhardt, quien lo invitó a pertenecer a un conjunto dentro del teatro que dirigía, llamado Deutsches Theater. Fue en este tiempo cuando adoptó el nombre de "Murnau" por la ciudad Murnau am Staffelsee, la "colonia de los mejores artistas bávaros", según esa época. Durante la Primera Guerra Mundial, Murnau se unió al ejército, convirtiéndose en comandante. En su internado en Suiza, Murnau escribió su primer guión cinematográfico (1918). Cuando regresa a Berlín en el 1919, decide trabajar como director y fundó su propio estudio de cine con el actor Conrad Veidt, quien había conocido en sus días dentro del teatro de Reinhardt. Su primera película fue "Der Knabe in Blau" (The Boy in Blue- 1919). Solo 3 de 7 películas de Murnau, desde 1919-1921 aún se conservan hoy día. Para solo mencionar algunas películas, se encuentran "Satanas" (1920), "Der Buclige und die Tanzerin" (The Hunchback and the Dancer- 1920), "Desire" (1921), "Nosferatu" (1922), "Phantom" (1922), "The Last Laugh" (1924) y "Faust" (1926). "Nosferatu" y "Faust" fueron dos de las primeras películas en que se compusieron "film scores" originales.

F. W. Murnau (ambas fotos)

   En el mes de junio de 1926, Murnau firmó un contrato con el productor William Fox y se mudó a los EEUU, donde dirigió otras películas, como su gran éxito "Sunrise" (1927). Pero su experiencia en Hollywood se puede contar después, cuando les hable de esta película en otra entrada.
   Por último, Murnau también trabajó con Robert Flaherty, un creador de documentales para filmar "Tabu" (1931). Ambos viajaron a Bora Bora para comenzar a filmar, pero luego de disputas, Flaherty perdió el interés en continuar con el proyecto, dejando a Murnau para que lo termine solo. Desafortunadamente, una semana antes de la premier de "Tabu", en Los Angeles, California, Murnau murió en un accidente de carro, el 11 de marzo de 1931.

Arcángel (Werner Fuetterer) en "Faust"

   La película "Faust" está inspirada por el personaje ficticio de la novela de Johann Wolfgang von Goethe, con el mismo título. Fausto es un personaje muy conocido en leyendas alemanas. Las primeras historias publicadas llegan hasta el siglo XVI. Desde entonces, se han escrito novelas cuentos, canciones, musicales, obras, todas hablando de este hombre que vendió su alma al diablo por obtener mayor conocimiento, al igual que distintos poderes y placeres, por un término de años. En todas las historias, el diablo envía un representante, conocido como Mefistófeles, quien se convierte como el servidor de Fausto hasta que la cantidad de tiempo (usualmente 24 años) se cumpla.

Gosta Ekman, como Fausto en "Faust"

   La versión de Goethe de la historia de Fausto es la más famosa y es de la cual Murnau se dejó llevar para la creación de su película. Todo comienza con una lucha entre el Cielo y el Infierno sobre el dominio de la Tierra. El diablo (Emil Jannings) y un arcángel (Werner Fuetterer) como representante de Dios discutían el asunto, cuando el diablo se le ocurre hacer una apuesta. Si él lograba corromper el alma de un pobre hombre, obtendrá los derechos de poder sobre la Tierra. Para comenzar, el diablo desata una epidemia mortal al país de Alemania. Fausto (Gosta Ekman) es un viejo médico que se siente desalentado porque no puede encontrar una cura para la epidemia. En un momento de crisis, Fausto pierde todas las esperanzas en el mundo y en Dios y decide quemar todos sus libros de estudio y de medicina, junto con la Biblia. Uno de los libros entre las llamas se abre y le muestra a Fausto una página donde dice cómo invocar al diablo. Fausto sigue las instrucciones del libro e invoca a Mefisto (en vez de Mefistófeles), quien le ofrece ser su sirviente por las próximas 24 horas. Solo tiene que llenar un contrato indicando que si Fausto decide extender los servicios de Mefisto por más tiempo, su alma le pertenecerá al diablo. Fausto acepta y le pide a Mefisto el poder de curar a los enfermos. Mefisto se lo concede, pero mientras Fausto curaba uno de los enfermos, no lo podía tocar porque llevaba puesto un crucifijo. El pueblo tomó esto como una señal de que Fausto había abandonado a Dios y aliado con el diablo y comenzaron a apedrearlo. Indignado, Fausto regresa a su hogar, donde Mefisto logra distraerlo, mostrándole la imagen de una hermosa mujer, la duquesa de Parma (Hanna Ralph). Fausto queda encantado por su belleza y le pide a Mefisto que lo haga más joven, lo cual Mefisto también se lo concede. Mientras el joven Fausto se besaba con la duquesa, Mefisto le indica que ya habían pasado las 24 horas, lo cual significaba que Fausto volvería a la normalidad. Pero el joven le ruega que extienda el tiempo y decide vender su alma para mantener su juventud. Pasa un período de tiempo, cuando Fausto comienza extrañar el pueblo donde se había críado y decide regresar. Aquí conoce y se enamora de una mujer, llamada Gretchen (Camilla Horn) y le pide a Mefisto que lo ayude a conquistarla. Luego de muchos intentos (al parecer, Gretchen le tenía miedo a Fausto), Mefisto le entrega a Gretchen un collar de oro. Al ponérselo, ella queda enamorada de Fausto. Ambos terminan juntos después de esto. Una noche, Fausto visita el cuarto de Gretchen y comienzan a besarse (entre otras cosa...). Aquí es donde se comprueba la verdadera naturaleza de Mefisto, cuando decide buscar al hermano de Gretchen, Valentin (William Dieterle) y avisarle de lo que está haciendo su hermana con Fausto. Enfurecido, Valentin corre hacia la casa. También, Mefisto crea conmoción en la casa de Gretchen, para que su madre (Frida Richard) también se entere de lo que sucede en el cuarto de Gretchen. Al ver su hija en brazos de Fausto, la madre se sorprende tanto que le da un ataque al corazón, muriendo al instante. En ese momento, llega Valentin a matar a Fausto. Ambos comienzan a pelear con espadas, pero sin que ninguno se diera cuenta, Mefisto mata  a Valentin, haciendo ver como si fue Fausto el culpable de su muerte. Mefisto le advierte a Fausto que debe huir, pero antes de eso, corre por toda la ciudad, gritando "Asesino", para que todo el pueblo se entere de los acontecimientos. Fausto logra escapar con Mefisto, dejando a la pobre Gretchen sobrevivir las condenas que le hace la gente. Todos la acusan por ser una ramera y permitir la muerte de su familia por culpa de sus pecados. En los próximos años, Gretchen fue excluida de la sociedad, obligándola a vivir como una deambulante, con un bebé en sus manos, el bebé que Fausto le dejó. Una noche fría, en medio de una tormenta de nieve, Gretchen va de casa en casa buscando refugio, pero nadie la quiere dejar entrar. Dándose por vencida, se sienta en el suelo, con bebé en manos y comienza a delirar. Imagina que hay una cuna frente a ella, donde pone su bebé y se queda dormida. Cuando despierta, unos policías la encuentran y descubren a su bebé muerto, enterrado en la nieve. Al ver esto, la acusan a Gretchen de haber matado a su hijo y la condenan a muerte en la hoguera. Antes de quemarla, ella le grita a Fausto, pidiéndole que la salvara. Desde lejos, desde el infierno, quizás, Fausto escucha sus llamados y le pide a Mefisto que lo lleve hasta Gretchen. Ya a Gretchen la quemaban cuando Fausto llega y entra en la hoguera para quemarse junto a ella. Al ver esto, el arcángel perdona a Fausto y le permite entrar al cielo junto a Gretchen. Le dice entoncés al diablo que ha perdido la apuesta, porque al final, el amor fue más poderoso que la avaricia y el poder. El amor triunfó nuevamente...

Escena en "Faust"

   La película presentó muchos adelantos para la época en que se hizo, entre ellos los efectos de luz y sombra para cambiar el tono de una escena y los efectos especiales usando dos cámaras filmando diferentes tomas. Se pueden ver varias técnicas de cámara, como el efecto de proyectar una persona o imagen de una escena en otra escena, como si fuese un fantasma o un sueño visualizado por uno de los personajes. También, Murnau usó lo que hoy día se conoce como "técnica de cámara desencadenada" o unchained camera tecnique, una técnica innovadora para los futuros cineastas, donde les permiten hacer tomas de cámaras en movimiento. De ahí vienen los "pan shots", los "tracking shots", etc. Se necesitaría de un blog exclusivamente para explicar todas las tomas te cámara, al igual que las distintas técnicas de cámara que existen para filmar una película. Quizás en un futuro...

Escena de "Faust"

   Como decía, "Faust" mostró el potencial de este gran director. Costó una gran cantidad de tiempo y dinero para hacerse. Y al parecer, Murnau era muy perfeccionista, creando varias versiones de la misma película. Hoy día solo existen 5 versiones, todas con escenas propias que no aparecen en las otras versiones. En un futuro, quizás veré otras versiones, pero por lo que vi, la película no me decepcionó en lo absoluto. Véanla, sean admiradores de películas mudas o no. No se van a arrepentir.
 Quizás es por la influencia del expresionismo alemán o las ideas de sus autores preferidos lo que hace que esta película parezca una obra de arte y que esté bien adelantada para su época. En una página de web de su biografía, se dice que "mientras D. W. Griffith escribía las reglas de hacer películas, Murnau ya nos estaba enseñando cómo romperlas". En "Birth of a Nation" había mucho diálogo, mucha explicación, como si el director narrara la historia, detalle por detalle, para dejarle bien claro al público lo que quería presentar en su película. En vez de dictarla, Murnau deja que la historia tome su propio rumbo. Utiliza más la acción que el diálogo para que nosotros mismos, el público, descubramos lo que nos quiere decir la historia.

Gretchen (Camilla Horn) en "Faust"

   Los personajes son muy humanos, actúan de la manera en que una persona como tú o yo lo haría. Dejan de aislarse de nosotros, dejan de ser actores para convertirse en seres que existen a nuestros alrededores. Hay muchos "faustos", "gretchens", incluso "mefistos" en nuestra sociedad.
    Es también una película que presenta un tema más oscuro: la avaricia del ser humano. Siempre deseamos tener más, poseer más, nunca estamos satisfechos. ¿A qué medidas llega nuestra ambición? ¿Lo entregaríamos todo, hasta nuestra propia alma, para solo tener poder por unos minutos? ¿Dejaríamos todo para ser ricos por un solo día? Existen momentos cruciales en la vida donde se descubre la verdadera naturaleza de las personas, si son buenas "de corazón" o engañan con una cara linda; si tienen sus ideales bien firmes o solo aparentan ser los más fuertes y son los primeros que caen en el abismo. Si el diablo se presenta en tu casa y te ofrecería lo que más deseas en este mundo si le vendes tu alma, ¿aceptarías la oferta?
   La película nos deja con un final esperanzador. Murnau se dejó llevar por el final de la novela de Goethe, donde se muestra que a través del verdadero amor, la gente se arrepiente y se hace buena, vencen todo mal. Pero, ¿ese es el verdadero final? En otras leyendas, Fausto terminó condenado para siempre, en el infierno. Y ahora les pregunto, en el mundo en que vivimos, ¿hay mucha gente que de verdad se arrepiente de sus malos actos y deciden cambiar? ¿Y qué es un acto bueno o malo, bajo los estándares? ¿Qué hace falta para que una persona se considere "buena" o "mala"?

Escena en "Faust". Significa "amor" en alemán.

Das Cabinet des Dr. Caligari

   Dejamos a un lado el drama, el romance, incluso la comedia, para adentrarnos a un género que intenta traer nuestras peores pesadillas a la realidad: el horror. Desde ahora les digo que no es mi género favorito de películas, pero de vez en cuando le doy una oportunidad, siempre y cuando las películas que veo son clásicas, como Friday the 13th o The Exorcist. No les voy a mentir, en parte muchas veces no las veo porque soy una cobarde, pero también es porque no todo el mundo sabe hacer una buena película de horror. A veces se enfocan tanto en asustar al público que se les olvida crear una buena trama, una historia interesante. Y si no es eso, son los actores. ¿De dónde diablo sacan tantos actores malos? Yo creo que utilizan las películas de horror como internados para los novatos. En otras palabras, cada vez que voy a ver una pelícua de horror, mis expectativas son muy bajas. En el caso de "The Cabinet of Dr. Caligari" (1920), ocurrió lo contrario. Comenzé a verla con altas expectativas porque no sabía a qué género pertenecía.

"The Cabinet of Dr. Caligari" (1920)

Dr. Caligari (Werner Krauss)

   Pero antes de comentarles lo que pensé, deben saber de qué trata primero. La historia, centrada en Alemania, comienza con el protagonista, llamado Francis (Friedrich Fehér), hablando con un amigo quien dice ver fantasmas todo el tiempo. Mientras hablan, una mujer les pasa por el lado. Al verla, Francis le deja saber a su compañero que ella era una vez su prometida y de ahí, comienza a narrar "la historia de su vida" o algo parecido. Esta técnica de la "historia dentro de otra historia" es lo que se conoce como "frame story" o relato enmarcado y "Dr. Caligari" fue una de las primeras películas en usarlo. En el comienzo de la historia de Francis, él y su amigo, Alan (Hans Heinrich von Twardowski) deciden asistir a una gran y esperada feria del pueblo. Más adelante en la historia, nos enteramos que tienen una amiga, llamada Jane (Lil Dagover), la de quien ambos están enamorados,Mientras esto sucede, un señor conocido como el Dr. Caligari (Werner Krauss) visita las oficinas donde puede pedir un permiso para tener su propia exhibición durante la feria, una exhibición en la cual se presenta un sonámbulo, llamado Cesare (Conrad Veidt), "que ha estado durmiendo por 23 años, encerrado en un ataún". Dr. Caligari es aparentemente el único que lo puede levantar y al hacerlo, Cesare tiene la habilidad de predecir el futuro por el hecho de que ha estado dormido por tantos años ("movie logic"). El público entonces puede acercarse a Cesare y hacerle preguntas sobre su propio futuro. En esa primera exhibición, Alan le pregunta a Cesare cuándo iba a morir. Cesare le responde que morirá el próximo día, al amanecer. Esto dejó preocupado al pobre Alan, pero no pudo salvarse de su destino. El próximo día encontraron a Alan, en su cama, muerto. O mejor dicho, asesinado. Y no fue el único. La noche anterior, otro hombre había sido asesinado mientras dormía. Esto y la muerte de su amigo dejó pensando a Francis y al recordarse de la predicción, sospechó rápidamente de Cesare y el doctor. Decide entonces, junto a Jane, quien se convirtió en su prometida, investigar a Caligari. Esa tercera noche, la policía arrestan un individuo por intento de asesinato. El próximo día, las autoridades llegan a la casa de Caligari para inspeccionar su casa, por las acusaciones de Francis. Encuentran a Cesare en el ataúd, cuando les avisan que han atrapado al hombre culpable de los asesinatos, a pesar de que el hombre insiste en que es inocente de las primeras 2 muertes. Caligari se libera de cualquier sospecha, pero como siempre, las autoridades han atrapado al hombre equivocado. Esa noche, mientras Jane duerme, nos enteramos que, sin duda, fue Cesare quien mató a los primeros individios. Y esa noche, ha llegado a matar a Jane, por órdenes de Caligari. Pero con una sola mirada hacia ella, Cesare queda cautivado por su belleza, y  la secuestra, en vez de matarla. En el camino, Cesare siente un cansancio extraño, tan fuerte que se siente obligado a soltar a Jane, luego cae al piso y muere. Jane huye y cuando encuentra las autoridades, le cuenta todo lo sucedido. Regresan nuevamente a la casa de Caligari y le abren el ataúd para descubrir que en vez de Cesare, se encontraba un muñeco en su lugar. Mientras la policía seguía distraída observando el ataúd, Caligari escapa y no logran atraparlo. Tiempo después, Francis visita un asilo, pensando que Caligari podría ser uno de los pacientes. Descubre algo peor: Caligari es el director de la institución. Con la ayuda de  los otros empleados del asilo, Francis logra tener acceso a los "records" de Caligari. Es ahí donde se descubre que Caligari había investigado sobre un Dr. Caligari del 1703 que utilizaba un sonámbulo para asesinar otras personas. Con ganas de intentar el mismo tratamiento a un sonámbulo para los mismos propósitos, el doctor se cambia su nombre a "Caligari" en honor al verdadero Caligari del siglo IX. Complacido, Francis guía las autoridades al asilo y arrestan a Caligari. El doctor solo decide confesarlo todo cuando le traen el cuerpo muerto de su Cesare. La historia regresa al presente de nuevo, donde se encuentra Francis terminando de contarle a su compañero. Y aquí viene la parte interesante. Al final nos damos cuenta que Francis es en realidad un paciente de un asilo de dementes, toda su historia es completamente creada por su imaginación y los personajes de Jane y Cesare son dos pacientes más en el asilo. El "Dr. Caligari" es en realidad el doctor de los pacientes, quien al darse cuenta de la causa de la demencia de Francis termina diciendo que ahora puede buscarle una cura. Y colorín colorado,...

Cesare (Conrad Veidt) en "The Cabinet of Dr. Caligari"

Escena en "The Cabinet of Dr. Caligari"

   Lo primero que llama la atención de esta película es el estilo artístico, (se podría decir "gótico") de los esenarios y la apariencia de los personajes. Estos alrededores con líneas extrañas, edificios oblicuos y ventanas con forma de flechas, eran muchas veces escenarios completamente pintados. Incluso, los contrastes en la luz y sombra son pintados. Había también un exceso en el maquillaje, como ejemplo el "eye liner" visto claramente en los protagonistas de la historia; unas líneas en el rostro de Caligari, hacían resaltar más sus expresiones. Todo esto, combinado con la música escalofriante de principio a fin, aumenta los elementos dramáticos y psicológicos de la película. Y es tambien, loque utilizó el director, Robert Wiene, para convertir su película en una obra del cine expresionista alemán, movimiento artístico que dominaba en esa época. "The Cabinet of Dr. Caligari" fue su mayor éxito como director, convirtiéndose en una de las mejores películas de la época silente, dentro del género de horror. El guión fue escrito con el propósito de "denunciar la actiación del Estado alemán durante la guerra". Otra cosa que les puedo decir de Wiene es que aportó mucho al cine alemán en una época difícil (fue uno de los muchos alemanes obligados al exilio durante la dictadura de Hitler). También dirigió la película "Raskolnikow" (1923), una adaptación del libro "Crimen y Castigo" de Dostoyesvky. Murió de cáncer en París, mientras hacía su última película, "Ultimátum" (1938), quien la finalizó Robert Siodmak.

Robert Wiene

Escena en "The Cabinet of Dr. Caligari"

   A pesar de una historia muy original y el "plot twist" del final (algo que me encanta en una película), la película me pareció aburrida. No la considero como una película de horror, aunque a veces pienso que si hubiese nacido a principios del siglo XX  y hubiese visto esa película en el cine, quizás me hubiese dado miedo al verla. Desafortunadamente, como nací en una era donde los monstruos y demonios se hacen con mucho CGI para que se vean lo más real posible; y donde se requiere ver la sangre y las cabezas volando para creer que un personaje fue asesinado en la película; Dr. Caligari me pareció una película para niños. No obstante, se pueden admirar dos características: la originalidad de su historia y sus elementos expresionistas. Por ahora, eso es todo lo que tengo que opinar. Lo demás se lo dejo a discreción de ustedes.

De izquierda a derecha: Werner Krauss, Conrad Veidt y Lil Dagover en "The Cabinet of Dr. Caligari"

 

The Birth of Griffith

Cartel de "Birth of a Nation" (1915)

   Saludos, luego de tantos días sin escribir. No se si me lo van a creer, pero me tomó casi 4 días en terminar de ver "Birth of a Nation" (1915), una película dirigida por D. W. Griffith, basada en el libro The Clansman de Thomas Dixon, Jr. (originalmente, la película se titulaba igual que el libro) Si no eres un fanático de películas largas, no les recomiendo esta de 3 horas y 15 min. Pero si de verdad quieres tomarte el reto, no te vas a arrepentir de este filme monumental en todos los ámbitos. Grandes "sets", gran cantidad de actores (con talentos en exceso) y un conjunto inmenso de originalidad. Griffith derramó todo lo que poseía en esta película, gran parte de su alma se perdió en el camino. Quizás piensen que estoy exagerando y cuando la vean, no se encontrarán tan emocionados al final. Yo misma lo acepto, no es de mis filmes favoritos, pero debo reconocer el gran talento que tenía este director en una época donde no habían las facilidades que tienen directores de hoy día. Al igual que los filmes de Georges Melies, "Birth of a Nation" abrió una puerta nueva en el mundo del cine, en el que los cineastas no tenían que limitarse. Griffith reconoció que soñar no cuesta nada, que las posibilidades para hacer un filme inolvidable son muchas, solo hay que atreverse y tomar el siguiente paso.

Escena de la película "Birth of a Nation"

   Antes de continuar, les daré un breve resumen del "plot". Nos encontramos en los tiempos de la Guerra Civil americana y se extiende hasta la pos-guerra y el surgimiento de los primeros grupos del notorio Ku Kux Klan. Los eventos giran alrededor de dos familias de bandos opuestos, pero muy parecidas en muchas áreas. Están los Cameron, compuesta por los dos padres, Dr. Cameron Spottieswoode Aitken) y Mrs. Cameron (Josephine Crowell); el hijo mayor, Ben Cameron (Henry B. Walthall); sus dos hermanos Wade (George Beranger) y Duke (Maxfield Stanley); y sus hermanas Margaret (Miriam Cooper) y la pequeña Flora (Mae Marsh). Provenían del Sur de los EEUU, en otras palabras, no simpatizaban con las reformas abolicionistas del presidente Abraham Lincoln (Joseph Henaberry). Por otro lado, provenientes de Washington, se encontraban los Stoneman, la familia del abolicionista que pertenecía al congreso, Austin Stoneman (Ralph Lewis). Sus hijos eran Phil (Elmer Cliffton)y Tod Stoneman (Robert Harron)y su hija, la hermosa Elsie Stoneman (Lillian Gish). Dato curioso,el personaje de Austin Stoneman fue inspirado en un congresista, llamado Thaddeus Stevens, quien luchó en contra de la esclavitud luego de la Guerra Civil, utilizando medidas un poco fuertes y radicales.

Thaddeus Stevens (1792-1868)

Ralph Lewis como Austin Stoneman (derecha) en "Birth of a Nation"

   A pesar de sus diferencias en ideales, los Cameron y los Stoneman eran bien cercanas, como se hace ver cuando los hermanos Stoneman le avisan a los Cameron que iban a visitarlos. En este primer encuentro, se descubre que Phil Stoneman está enamorado de Margaret Cameron, mientras Ben Cameron muestra sus sentimientos por Elsie Stoneman, quien no la ha conocido en persona, pero conserva una foto de ella. Esta primera parte sería el comienzo del primer acto de la película, el cual le podemos titular "América en la pre-Guerra Civil". Luego de esa introducción de personajes, los hijos varones de ambas familias son convocados a la guerra (a sus distintos bandos, claro está). En la escena del campo de batalla, algunos de los hermanos Cameron y los Stoneman mueren, (Wade, Duke y Tod) pero Ben es rescatado por Phil en el campo de batalla y admitido a un hospital del Norte. Allí conoce por primera vez a Elsie quien trabaja como una enfermera. Ambos se enamoran.

Ku Kux Klan, escena en "Birth of a Nation"

Lillian Gish en "Birth of a Nation"

   Se acaba la guerra, los del Norte ganan y Lincoln le provee la libertad a todos los esclavos negros. Por ahora, todo va bien, hasta que Lincoln es asesinado en el teatro Ford y Austin decide intervenir. Junto a su compañero, un mulato llamado Silas Lynch (George Siegmann), Austin decide viajar al Sur para supervisar que se están llevando a cabo las reformas del congreso. Austin describía esto como "La era de la Reconstrucción", que sería entonces el nombre del acto dos del filme. Al igual que Thaddeus, Austin y Lynch toman medidas un poco violentas para castigar a los sureños blancos y darle mayor poder a los negros. Se obliga a respetar los soldados negros, la legislatura se compone de más miembros negros y dentro de los tribunales, son los negros quienes tienen la ventaja y los blancos son condenados como "culpables". Lo que no sabe Austin es que su querido Lynch planifica en tener poder absluto y crear una nación de negros, o algo parecido. Lynch luego es nombrado como gobernador teniente.

Lillian Gish 

Miriam Cooper en "Birth of a Nation"

   Cuando los Cameron se sienten amenazados por sus vidas a causa de los negros, a Ben se le ocurre una idea, inspirada por unos niños vestidos de fantasmas asustando a los niños negros. De ahí surge el Ku Kux Klan, un grupo secreto de hombre encapuchados de blanco, quienes recolectaban negros como si fuesen una plaga y los mataban. Elsie se entera que Ben es el líder de este grupo y lo abandona, por defender a su padre.

Mae Marsh en "Birth of a Nation"

   Durante este tiempo, la hermana menor de Ben es perseguida por un negro, llamado Gus, quien quería casarse con ella. La persecusión causa que Flora se tropieze y caiga por un precipicio. Con el corazón roto por la muerte de su hermana, Ben convoca el KKK para atrapar y matar al negro, dejándole su cuerpo en la entrada de la casa de Lynch como una amenaza. Austin y Lynch deciden hacer una búsqueda de los miembros de los encapuchados para arrestarlos. Y es Lynch quien descubre el disfraz de Ben en la casa de los Cameron. Pero al Ben no estar ese momento en la casa, se llevan arrestado a su padre. Lo que sucede después es que básicamente los Cameron logran escapar con la ayuda de Ben y se esconden de los soldados negros en la cabaña de una familia a la que pertenecían (sorprendentemente) dos soldados de la Unión. Mientras esto ocurre, Elsie llega a la casa de Lynch luego de enterarse del arresto del padre de Ben. Le pide a Lynch que lo libere y es en ese momento donde Lynch le pide que se case con él. Cuando ella le niega la petición y trata de irse, Lynch la agarra para que no se vaya. Cuando dos hombres del KKK se enteran que Lynch tiene a Elsie encerrada,  le avisan a Ben, quien vuelve a convocar el Klan para rescatar a Elsie. Surge una batalla entre el KKK y los soldados negros, pero los primeros son los victoriosos, salvando a la pobre Elsie de las manos de Lynch. Ben también regresa a la cabaña para luchar contra los soldados que habían encontrado a su familia en esa cabaña. Todos son rescatados, el Klan gana la batalla y Ben se convierte en el héroe. Y vivieron todos felices para siempre...

Henry B. Walthall como Ben Cameron (ambas fotos) en "Birth of a Nation"

   Esperen un momento, ¿yo dije que el KKK ganó la batalla? ¿Que un miembro del grupo que hasta hoy día han matado a miles de afroamericanos se convirtió en el héroe de la película? Pues lo dije bien. Así mismo como lo escuchan. Esta película representa el estereotipo perfecto de un norteamericano racista, donde los negros son los malos y el KKK es el héroe encapuchado que salva la nación... Es esta visión contradictiva lo que causó muchas críticas negativas hacia Birth of a Nation y mucho odio en distintos sectores cuando fue lanzada al cine por primera vez. Al principio pensé en lo mismo, que Griffith era un racista que odiaba a los afroamericanos. Pero eso es lo que ocurrre cuando alguien no lee acerca de la historia. Griffith solo quiso ser fiel a lo que verdaderamente pasó en esa época. Los congresistas a favor de la abolición de la esclavitud se convirtieron en abusadores del Sur y se apoderaron del poder del Congreso al no permitir que los nuevos miembros del Congreso fueran elegidos por sureños. También eliminaron a los gobernadores civiles de varios estados del Sur y pusieron a los de la Confederación bajo el mando de la armada estadounidense (como bien se presenta en el filme, con los soldados negros). Podría hablarles en detalle sobre historia y la Guerra Civil estadounidense, pero entonces se perdería el propósito de este blog (y tampoco quiero aburrirlos más de la cuenta), pero les exhorto a que busquen información, lean antes de ver esta película, la entenderán mucho mejor. Yo hize el error de leer después de verla, pero bueno...
   Birth of a Nation se ganó el odio de muchas personas, porque pensaron que Griftth apoyaba el Ku Kux Klan y quería hacer un filme donde explicaba las razones por la cual surgió dicho grupo. Yo solo me pregunto el por qué de tanto odio. Históricamente, el KKK surgió por las mismas razones expuestas en la película, porque muchos sureños no querían abandonar sus ideales, pero la razón verdadera fue porque se cansaron del abuso. Los reublicanos no tenían el derecho de imponer sus reformas y menos de la manera en que lo hicieron. Una reconstrucción bien hecha, toma tiempo, y se puede lograr de manera pacífica. No estoy diciendo que apoyo el surgimiento del KKK ni estoy diciendo que los negros debieron de permanecer como esclavos. Pero entiendo que la sociedad siempre se ha destacado por las rebeliones y oposiciones. La histotria del ser humano se puede simplificar en la lucha de ideales, o lucha de clases sociales (depende de como uno lo quiera mirar). Existe una idea o clase dominante por mucho tiempo, hasta que surge una que se opone y lucha en contra de la dominante, para luego crear la nueva idea o clase dominante y volvemos al mismo círculo vicioso. Las ideas nuevas de los congresistas norteños chocaban con los ideales de la sociedad sureña y por eso se crearon los grupos opositores, como el KKK. Pero gracias a esto, y creo que aquí viene el punto que quizás quería presentar Griffith, es que el país de los EEUU pasó por una metamorfosis. Las constantes luchas entre el Norte y el Sur (que como pueden ver, siguieron a pesar de que la guerra había culminado), dieron paso al nacimiento de una nueva nación, la nació que existe hasta hoy día, con la unión de ambos bandos opuestos.

Escena en "Birth of a Nation"

 El nacimiento de la nación surgió con los Cameron y los Stoneman, dos familias con ideales distintos, pero lograron poner eso hacia el lado y cultivar una amistad que se extendería hasta el final. Fue gracias a Phil Stoneman que Ben logró sobrevivir la guerra. Su amigo lo ayudó a pesar de ser del bando contrario. La misma unión entre Elsie y Ben, simboliza esa mezcla entre dos sectores que, más en esos tiempos que hoy en día, eran como el gato y el perro. Y se puede observar también cuando Ben ayuda a Austin, el hombre que lo quería muerto, cuando se encontraba en problemas con el mulato, Lynch. Tampoco olvidemos a la familia  del Norte, que decidió acoger a los Cameron en su casa cuando eran perseguidos. Esto es lo que quería mostrarnos esta película. El simple hecho de que la raza humana se olvida que surgimos de la misma raíz, que a pesar del color, la raza, los ideales, somos todos hermanos. Al final, en vez de dos familias, era una sola... en vez de dos naciones, era una sola...
   Ahora bien, si Griffith era racista, pues bien por él. Y si verdaderamente era racista, no hubiese dirigido otras películas, como The Rose of Kentucky (1911) donde el KKK es mostrado como el villano y otras películas donde mostraba que Griffith estaba en contra del maltrato de los blancos hacia los nativos americanos. Pero si de verdad era racista, no es un hecho que le puede quitar el valor a sus películas, especialmente Birth of a Nation. Dicho de otra manera, ¿vas a dejar de leer a Jorge Luis Borges porque era racista? ¿Vas a dejar de admirar el trabajo de un gran escritor, o cineasta, o científico, o cualquier otro intelectual, solo porque piensa diferente a uno mismo? No les digo esto para que piensen igual que yo, lo digo para que sean abiertos en intentar cosas nuevas, que no juzguen antes de escuchar al otro. Vean la película, lean el trasfondo, busquen distintos puntos de vista. Y luego de todo eso, entonces pueden hacer sus propias conclusiones. No me importa si terminan odiando al pobre Griffith, solo quiero que lo consideren primero.

Escena en "Birth of a Nation"

The Fountain

  
 Lo sé, lo sé, lo sé. Llevo casi una semana sin escribir nada. Y no es que he estado ocupada, he tenido tiempo, a pesar de que estuve trabajando 4 días corridos desde el viernes pasado. Pero no tenía acceso al Internet hasta hoy debido a una avería en la línea telefónica después de pagar la factura el jueves. ¡Qué horror! ¡Sin Internet por 5 días! No sé como sobreviví este fin de semana. Y lo peor de todo es que tampoco he visto ni una película de la lista. Esto me atrasa por mucho. Calculé el tiempo de nuevo y me di cuenta que me faltan 78 días... aunque tendría que descontarle 7 días en junio, ya que me voy de viaje para Disney... en total, serían 71 días para completar mi misión. Eso es casi 1 película por día... Pero aún no me voy a rendir. La próxima entrada será sobre "Birth of a Nation".

Hugh Jackman en "The Fountain"

   Pero para no dejarlos esperando, hoy les hablaré un poco sobre una película que no está en la lista (aunque debería estarlo) pero pronto se va a añadir a la lista de mis películas favoritas. Ayer la vi por segunda vez. Me refiero a "The Fountain" de Darren Aronofsky. Si la historia de esta película no te captiva lo suficiente, de seguro lo harán los visuales espectaculares y simplemente fuera de este mundo.

   "The Fountain" es una de esas películas que te puede causar dos reacciones completamente opuestas: o la odias o la  amas tanto que te absolverá de una manera que no dejarás de pensar en ella por días. Claramente, me causó la segunda y las dos veces que la he visto me han provocado un dilema existencial. A pesar de que entiendo su propósito y los temas que quería presentar Aronofsky, la historia y todo lo que te debe llevar a descubrir ese propósito, se me ha hecho complicado comprender.

Rachel Weisz en "The Fountain"

  Me explico, la película es el conjunto de tres historias paralelas (una del pasado, otra del presente y la tercera del futuro), conectadas por distintos símbolos. En las tres, aparecen los dos protagonistas, que diría que son como el Adán y la Eva, el hombre y la mujer. Y el segudo símbolo es el gran "árbol de la vida", que aparece en la Biblia y lo han utilizado varios artistas en distintas narrativas y otros géneros dentro del arte.    
   De las tres, la historia central es la de Tom Creo (Hugh Jackman), el neurólogo, en busca de una cura para el tumor cerebral de su esposa, Izzy Creo (Rachel Weisz), que cada vez le va empeorando la salud. Junto a su grupo de científicos, van investigando los efectos de una especie de árbol que proviene de Suramérica que ha tenido efectos de rejuvenecimiento. Utilizan un simio, igualmente con un tumor cerebral, para experimentar los efectos del árbol. A pesar de que Izzy ya ha aceptado su destino y le pide a su esposo que la acompañe en sus últimos días de vida, Tom no quiere permitir que se muera y se obsesiona más en buscar una cura. Mientras todo esto ocurre, Izzy va escribiendo una novela, que la titula The Fountain y le pide a Tom que termine de escribir el último capítulo. Mientras estaban en las tiendas, a Izzy le da un derrame y la llevan a emergencias. Durante ese tiempo, se descubre que el árbol causó que el simio se convirtiera más joven y se le curara el tumor. Pero para ese entonces, era demasiado tarde. Izzy muere el próximo día... Negado a aceptar la realidad, Tom pasa por un período, pues, vamos a llamarlo "oscuro", hasta que decide terminar la novela de Izzy, como ella le había pedido. Al final, siembra un árbol en la tumba de Izzy.

   La novela de Izzy sería la segunda historia de esta película, protagonizada por Tomás, o Conquistador (también Hugh Jackman) y su futura esposa, la reina Isabella (también Rachel Weisz). Esta se desarrolla aproximadamente 5 siglos antes de la historia contemporánea de Izzy y Tom, durante la época de la Inquisición en España. Por miedo a perder su trono a manos de un clero de la Inquisición, la reina le pide al Conquistador, a que viaje a Nueva España y encuentre el "Arbol de la Vida", ya que, según las leyendas, te daba vida eterna. Si lo encontraba, era para beber de su savia, y traerle un poco a su reina, para ambos ser inmortales. El árbol se encontraba en territorio maya, lo cual obstaculizaba al protagonista. Debía de vencer a los mayas que vigilaban la pirámide donde se encontraba el árbol. Cuando se enfrenta al maya principal, el maya está a punto de matarlo cuando se le aparece la visión del que le llama como "Primer Padre". El maya comprende que Tomás es ese Primer Padre, que se sacrificó para dar vida a los primeros seres humanos, según sus leyendas. El maya entónces se sacrifica y permite que Tom lo mate. Cuando Tomás lo mata y entra a la pirámide, encuentra el árbol y coge parte de la savia para curar su herida. Esta se cura y Tomás decide beber de la savia. Pero le empiezan a brotar plantas por la boca, sus ojos, por la herida, todo su cuerpo, hasta que muere y es cubierto completamente de plantas. Se convierte en parte de la tierra, para dar vida de otra manera.

   En la tercera historia, vemos a Tom de nuevo, 5 siglos después de la historia contemporánea. Un Tom más sabio (y calvo :P), que le gusta meditar y practicar tai chi, se encuentra en una especie de nave espacial, que parece más una burbuja gigante. Dentro de la burbuja, a parte de Tom, se encontraba un gran árbol, donde se puede inferir que es el mismo" árbol de la vida" de la primera y segunda historia. Pero aquí, el árbol simboliza a Izzy, y se está muriendo. Tom quiere llegar a la nébula Xibalba, pero aún no estoy segura de la verdadera razón de esto. Puede ser que quiere lograr alcanzar el alma de Izzy y reencontrarse con ella en Xibalba, o quizás es para salvar la vida del árbol. Pienso que es una mezcla de las dos. Al comienzo, Tom quería llegar a Xibalba por el árbol, ya que bebiendo de su savia era lo que lo hacía inmortal y haber vivido tantos siglos. Pero al final, Tom se da cuenta que el árbol no tiene salvación y que lo que verdaderamente quería hacer era morir, morir de una vez, y encontrarse con Izzy en Xibalba. Era como si el árbol, el mismo que enterró Tom en la tumba de Izzy en la primera historia, llevaba por dentro el alma de Izzy, que por fin pudo ser liberada cuando el árbol muere al final. Y por tal razón, Tom también podía liberarse. Es en esta última historia cuando Tom por fin logra superar la muerte de Izzy y aceptar su propia muerte también.
   El propósito de Aronofsky gira alrededor del tema de la muerte. Lo más seguro en esta vida, lo que nos hace seres humanos, pero irónicamente, también es uno de los más grandes misterios para nosotros. La muerte se nos presenta en el momento más inoportuno y sin avisar, llega con su ropaje negro para buscarnos y llevarnos Dios sabe dónde. Nadie ha podido volver de la muerte y poder contarnos lo que vio. Po eso es un tema tan delicado y muchas veces, temeroso de hablar. La mayoría de nosotros deseamos no tener que despedirnos de la vida, deseamos siempre más tiempo, más años de vida y deseamos que nuestros seres queridos tampoco pasen por eso. Nos volvemos celosos de la muerte, quien se queda eventualmente con todo. Anhelamos la vida eterna. Con cada avance tecnológico y de salud, es para acercarnos más a la inmortalidad. Tommy era el personaje que se rehúsa aceptar la muerte. Lucha en contra de ella hasta el final, todo por recuperar el amor de su vida. Para él, la muerte era otra enfermedad, que solo hacía falta buscarle una cura. Como si la muerte era tan fácil de vencer...

   Darren Aronofsky, hijo de padres judíos, que se graduó de Harvard University y American Film Institute estudiando cine, dirección de cine y antropología social, utilizó varias técnicas que, sorprendentemente ayudaron a mantener un presupuesto bajo, pero que sin ellas, la idea que nos quería transmitir el director y escritor no hubiese tenido una estructura bien definida.
   En el área del diseño, la mayoría de los "sets" fueron construidos en un almacén en Montreal, por James Chinlund. Objetos como el árbol de la vida y la nave espacial, fueron inspirados por objetos de la vida real o por leyendas. Para ahorrar el dinero, se trató de limitar el uso de CGI y se utilizó otra técnica, menos conocida, pero más barata, para los efectos especiales: la macrofotografía. Por si no lo saben, este tipo de fotografía se destaca en retratar objetos de manera extremadamente cercas, usualmente objetos que a simple vista no se puede observar en detalle. La macrofotografía sirve para ampliar imágenes, como de insecctos o microorganismos y poder verlos en una foto como si fuesen más del doble de su tamaño original. Para los visuales de las escenas en el espacio, por ejemlo, utilizaron imágenes de microorganismos en movimiento capturados en una cámara. Igualmente, se utilizaron imágenes de fluidodinámica.

   Un detalle sumamente importante, era el uso de la luz. El cinematógrafo, Mathew Libatique, bajo la dirección de Aronofsky, utilizó la luz no solo como parte "física" de la película, sino como uno de los símbolos dentro de la historia. El cambio en la intensidad de la iluminación en las distintas escenas, significaba la cercanía o lejanía del hombre hacia la verdad. En este caso, la verdad era la mortalidad como el secreto de la vida, la mortalidad es lo que nos hace ser lo que somos. En el comienzo de la película, la iluminación a Tom es la más mínima, apenas se percibe una silueta de él, porque estaba muy lejos de la verdad. Poco a poco, a medida que va pasando la película, las escenas donde aparece Tom se hacen cada vez más visibles, hasta la escena final, donde está completamente bañado de un espectro de luces brillantes. Sin embargo, a Izzy la presentan en varias escenas como si una luz brillante emanara de su cuerpo. Es evidente lo que nos quieren demostrar. Desde el principio, Izzy había aceptado la muerte como parte de su vida, ya estaba lista para morir, mientras que Tom le tomó muchos años para poder comprender y llegar a la verdad.

  Es interesante como Aronofsky pensó hasta en el más mínimo detalle de esta película. Esto es lo que distingue para mí, grandes directores de directores mediocres. Darren Aronofsky es un verdadero artista. The Fountain no solo te hace reflexionar, sino que te conmueve el corazón, te revuelca los sentimientos, te eleva el espíritu y te hace llorar. Posee una belleza única e incomprensible. Y no me refiero solo a la belleza de la historia, sino a la parte física de la película. Es una obra de arte, pintada por Aronofsky.
   Le recomiendo a ustedes la gran mayoría de las películas de Aronofsky, pero las que más deberían ver es esta y Black Swan. Les recomendaría Pi y Requiem for a Dream también, pero no las he visto todavía. Cuando las vea, les contaré. ;)

Una flor quebrantada

"Broken Blossoms" (1919)

   Debo confesar algo... Nunca pensé que una película silente me iba a gustar. Pensaba que el hecho de que era silente me iba a resultar aburrida o frustrante. Es la costumbre, uno se acostumbra a la época contemporánea, con los efectos especiales, la explosión de sonidos, etc. Ahora, después de haber visto "Broken Blossoms" (1919) de D. W. Griffith, pudo confesar otra cosa: nunca he estado tan equivocada acerca de las películas silente.
   Quizás es por la obsesión que tengo de las historias de amor, quizás es porque contiene elementos orientales que me fascinan, o talvés fue por el arte de Griffith de causar sensación en todas sus películas. Cualquier razón que fuese, Broken Blossoms me enterneció el corazón.

Lillian Gish y Richard Barthelmess en escena de "Broken Blossoms"

   La historia, inspirada por el cuento del escritor británico Thomas Burke, titulado "The Chink and the Child"  (1916), trata de un inmigrante chino, llamado Cheng Huan (Richard Barthelmess), que se muda a Limehouse, para llevar el mensaje de paz a "la civilización anglosajona", como él se refería al país de Inglaterra. Luego de un par de años, con el espíritu roto, sus sueños han sido destruidos por la crueldad del mundo y la realidad en la que vive. Retorna sus esperanzas cuando conoce y se enamora de la pobre Lucy Burrows (Lillian Gish), una joven que nunca sonríe ya que no se siente amada ni por su propio padre. Este, con el nombre de Battling Burrows (Donald Crisp), es un boxeador alcohólico que abusa de su hija. Una noche, luego de recibir fuertes azotes de su padre, Lucy se va de su casa, camina por las calles moribunda y llega hasta la tienda de Cheng Huan, donde se desploma. Cheng Huan la reconoce y se la lleva a su cuarto, para atenderla. A pesar de ser breve su tiempo juntos, la joven recibe por primera vez una ternura y afecto que nunca había recibido antes. Es la primera vez que ella se siente felíz y reconoce su hermosura, gracias a los regalos que le da Cheng Huan, como el kimono y los arreglos para su cabello. También, es la primera vez que Lucy sonríe naturalmente, ya que antes, se forzaba a sonreírle a su cruel padre para que éste no le pegara tanto. Lucy pasa toda la noche en el cuarto de Cheng Huan, quien no la abandona, hasta que se siente obligado a atender la tienda y salir a comprar algo. Uno de los clientes que llega es el entrenador de Battling (Arthur Howard). Cuando Cheng Huan sale de la tienda, el entrenador escucha un sonido extraño en el segundo piso de la tienda si decide investigar. Al subir por las escaleras, descubre a Lucy acostada en la cama de Huan y se va corriendo para decírcelo a su padre. Battling, furioso, llega a la tienda y se lleva a su hija a las fuerzas. Llegan a la casa, donde Lucy se encierra en el "closet", tratando de huir de su padre. Pero Battling logra romper la puerta y le golpea hasta la muerte. Cheng Huan entónces regresa a la tienda y se entera de que Lucy se la han llevado. Sale corriendo a buscarla en su casa, con una pistola en la mano, pero cuando llega, es demasiado tarde. Encuentra a Lucy, muerta en su cama. Impulsado por dolor y rabia, cuando encuentra a Battling, le dispara varias veces hasta matarlo. Huan después se lleva a Lucy en sus brazos hasa su casa, donde le reza a Buddha y se suicida, muriendo al lado de su amada...

Lillian Gish

Lillian Gish en "Broken Blossoms"

   Fue poco lo que me faltaba para que esta película me hiciera llorar. La actuación de Lillian Gish estuvo perfecta (¿no creen que era una de las actrizes más hermosas de su época? Miren esa belleza...). Con las expresiones de su cara y cómo, con su mano, movía las esquinas de sus labios, como para sonreír de manera forzada, ayudó a percibir la vida trágica y dolorosa de su personaje. Me resultó un poco simpático el hecho de que un actor americano, como Richard Barthelmess hiciese el papel de un inmigrante chino, pero creo que pasó la prueba (mantuvo sus ojos semicerrados para parecerse más a un chino). La música (en unas partes con tono alegre, en otras con tono siniestro) y el ambiente (ciudad y puertos de Limehouse) fueron dos elementos clave para crear la sensación que quería causar Griffith en sus espectadores.

Richard Barthelmess

 En fin, por favor, véan Broken Blossoms. Se las recomiendo con los ojos cerrados. Si la relación entre la frágil Lucy y el humilde Cheng Huan no les enternece el corazón, o yo soy una persona muy sentimental, o ustedes son seres insensibles. O.o

Escena de "Broken Blossoms"

La intolerancia a través de los tiempos

   Los cambios en la historia han sido a consecuencia de nuestro comportamiento humano. Han pasado siglos desde el surgimiento del primer homo sapiens, y hemos avanzado en avances tecnológicos y científicos. Pero la esencia del ser humano, nuestra manera similar de pensar y actuar ante situaciones nuevas, es algo que no ha cambiado. Seguimos siendo seres inmaduros, que no aceptamos ideas nuevas ni que estén fuera de nuestro alcance intelectual. A pesar de todos los pasos hacia la iluminación, preferemos permanecer en la oscuridad, conformados con la ignorancia. La intolerancia nos domina como un veneno que pasa rápidamente por todo nuestro cuerpo.

Escena de la película "Intolerance"

   Quizás esto era lo que nos quiso decir D. W. Griffith cuando dirigió su película "Intolerance: Love's Struggle Throughout the Ages" (1916). Luego de haber filmado "Birth of a Nation" (1915), una película que resultó controversial y le trajo mala fama por grupos anti-racistas, debido a la visión racista del filme, su respuesta fue Intolerance: un conjunto de 4 historias entrelazadas, en distintas épocas de la historia, donde se ve reflejado la intolerancia humana y sus consecuencias negativas. Les advierto desde ahora, prepárense mentalmente antes de ver esta película de 3 1/2 horas consecutivas (tardé dos días en verla...).

David Wark Griffith

   Antes de continuar, les voy a hablar un poco de David Wark Griffith, mejor conocido como D. W. Griffith. Este hombre dirigió más de 535 filmes (la mayoría eran cortos, pero cuentan también). Su primer interés fue en escribir obras de teatro, área donde no tuvo mucho éxito. No obstante, apareció actuando en varias obras como un extra. En el 1907, Griffith se mudó a Nueva York y trató de venderle uno de sus escritos al productor de Edison Studios, Edwin Porter. Porter rechazó su obra, pero lo contrató como actor para la película "Rescued from an Eagle's Nest". Esta experiencia le abrió el apetito a Griffith de conocer más sobre el mundo de la cinematografía. Aceptó la posición como actor para la American Mutoscope and Biograph Company, mejor conocida como Biograph. Luego de convertirse en el director de la compañía y de dirigir sus primeras películas, como "The Adventures of Dollie" (1908), Griffith abandonó Biograph, debido a que se sentía limitado en su creatividad. Griffith fue uno de los primeros directores que rompió con los esquemas dentro de la cinematografía, entre ellas crear películas largas y utilizar téctincas de cámara, música y luz para crear un lenguaje expresivo. Junto a su compañia de acciones de actores, se unió al Mutual Film Corporation, para luego crear un estudio con el gerente de Majestic Studio, Harry Aitken. El estudio se llamó primero Reliance-Majestic Studio y luego Fine Arts Studio. Es en este estudio donde Griffith dirige sus dos películas más vendidas y famosas (y las más largas), Birth of a Nation y Intolerance. La segunda no llegó a alcanzar grandes éxitos financieros como la primera (no se logró recuperar el presupuesto para hacer la película),pero sí obtuvo mayores críticas positivas.

"Intolerance: Love's Struggle Throughout the Ages" (1916)

   La carrera de Griffith en los próximos años fue iéndose poco a poco cuesta abajo. Griffith, junto a otras celebridades de la época (Charlie Chaplin, Mary Pickford y Douglas Fairbanks), fundaron el estudio independiente de United Artist, el 5 de febrero de 1919. Entre sus filmes más memorables, se destacan "Broken Blossoms" (1919), "Way Down East" (1920) y "Orphans of the Storm" (1921). Sin embargo, no fueron éxitos comparados con los que había tenido en la época de Intolerance. Poco a poco, su luz se fue apagando, logró crear dos películas con sonido, como "Abraham Lincoln" (1930); pero tampoco tuvieron mucho éxito. Con el espíritu roto, Griffth decidió no volver a dirigir ni una película más. Obtuvo varios reconocimientos años después, he incluso ayudó a otros directores en el rodaje de sus películas, pero nada más. Fue encontrado muerto, solo, en el "lobby" del Knickerbocker Hotel en Los Angeles, un 23 de julio de 1948, un año después de su segundo divorcio, con Evelyn Baldwin. La causa de su muerte fue una hemorragia cerebral.

Fundadores de United Artist (en orden de izquierda a derecha): Mary Pickford, D. W. Griffith, Charlie Chaplin y Douglas Fairbanks.

   Es un poco triste pensar que uno de los mayores contribuidores del mundo del cine y que influyó mucho en los trabajos de Alfred Hitchcock, Orson Welles, Victor Fleming y John Ford; tuviese un final tan trágico. Solo la sensibilidad de un hombre como Griffith pudo haber reconocido los errores de su propia raza a través de los tiempos en una película como "Intolerance". Como mencioné anteriormente, se trata de 4 historias. La primera ocurre en el año 539 a.C. en la atigua Babilonia, donde hay un conflicto entre los devotos a dos dioses enemigos: Bel-Marduk y Ishtar. El príncipe de Babilonia, Belshazzar, ordena a que todo el pueblo sea creyente de la diosa Ishtar. Esto enoja al sacerdote de Bel-Marduk y sus seguidores y lo convence de aliarse con el enemigo, que son los persas. Junto a Ciro, rey de persa, los traidores de Babilonia planifican un ataque sorpresa, causando la histórica derrota y conquista de Mesopotamia por los persas. En la segunda historia, se presenta la vida, crucifixión y muerte de Jesús, en Judea, el 27 d.C. La tercera ocurre en la época del Renacimiento, en Francia (1572). Recorre el evento conocido como la "Masacre de San Bartolomé", cuando el rey Carlos IX, influenciado por su madre Catalina de' Medici, ordena la muerte de todos los hugonotes (o calvinistas franceses), para luchar a favor del catolicismo. Y finalmente, la cuarta historia trata de una pareja que vive durante los comienzos del siglo XX, y cómo las vidas del esposo (the Boy) y su mujer (the Dear One) son afectadas por la criminalidad, la pobreza, las revueltas de obreros de fábrica, las reformas de ideales puritanos, la intolerancia hacia la juventud, la envidia, entre otras cosas. Esta última historia es, sin duda, la más importante y Griffith logró crear una similitud entre esta y las otras 3 historias, como para decirnos que a pesar del paso de los años, la raza humana no ha cambiado mucho. Griffith quería que nos identificáramos con los personajes, es por eso que muchos no poseen nombres propios. De esta manera, cada personaje representaba un conjunto, una pluralidad, en vez de un individuo en específico.

Escena de "Intolerance"

Mae Marsh como the Dear One, en "Intolerance"

   Algo que se me olvidó mencionar, la película nos presenta también el tema del amor y cómo este logra contraatacar y vencer los males causados por la intolerancia. Cuando se acerca al final, el tono trágico se va convirtiendo en uno más esperanzador, dejándonos saber que la creación de un mundo mejor no es imposible si nos dejamos influenciar por el amor.
   En otras palabras, si las películas de drama y romance son tus favoritas, Intolerance debería estar en tu lista de Blockbuster. Las actuaciones de este filme son muy expresivas, un estilo más teatral, pero sin duda, muy impresionantes. El dolor expresado en el rostro de la denominada the Dear One (interpretada por Mae Marsh) cuando se llevaron a su esposo preso por un crimen que nunca cometió, hace partirle el alma a cualquiera. Se le dio mucha importancia a la luz y la transición de escenas (técnicas únicas de Griffith), ya que ayudaban a saber cuándo se cambiaba de una historia a otra. Un ejemplo era el color específico del fondo de la escena para cada historia. La película también está cargada de mucha narración y diálogo, que ayudaba a entender mejor la trama y no perderse en las trancisiones de las historias. Mi única crítica negativa sería el tiempo extenso de duración (aunque esto no afecta tanto, Gone With the Wind dura 4 horas y me encanta) y la dependencia de los textos para entender las historias. Te digo, si no fuese por la narración excesiva, las escenas visuales no harían mucho sentido. No obstante, le doy 5 estrellas por originalidad y creatividad.

D. W. Griffith

   No me despego de D. W. Griffith, ya estoy preparada para ver "Birth of a Nation" y "Broken Blossoms". Así que estén pendientes.